Suspense , 2011
Variable dimensions
3 relojes negros a muro más 3 relojes blancos a muro

Definido como un artista "post-conceptual", la obra de Saâdane Afif trata sobre la interpretación, el intercambio y la circulación. Toma múltiples formas (performance, objetos, esculturas, textos, carteles y obras en neón) con la exposición como un pretexto para la producción o activación. La práctica de Afif tiene sus raíces en la música: partituras, instrumentos, amplificadores, altavoces, micrófonos, los conciertos son parte de su vocabulario o medio. Otros intereses recurrentes incluyen el paso del tiempo (cráneos, relojes), apropiación, remakes o repeticiones y el desplazamiento de significados, y la crítica de las instituciones. En 2010 Afif escribió: "Mi trabajo actual no se basa en el objeto: se desarrolla a través de la acumulación o entrelazamiento de elementos que pueden ser más o menos visible." Recientes exposiciones individuales incluyen Là bas, Kunsthaus Glarus (2014); Ici, Leopold-Hoesch-Museum & Papiermuseum, Düren (2014), From the collection: Saâdane Afif Technical Specifications, Room 2, Kunstmuseum Liechtenstein (2014) y Blue Time, Blue Time, Blue Time…, Institut d’Art Contemporain, Villeurbanne. El trabajo de Saâdane Afif se incluyó en Documenta 12 en 2007 y la exposición internacional de 56a Bienal de Venecia del 2015. El artista ganó el Premio Marcel Duchamp en 2009, lo que llevó a una exposición en el Centro Georges Pompidou de París, en 2010. Vive y trabaja en Berlín.

Espectacular Telón Toluca IV , 2014
295 x 352 cm.
Lona de algodón teñida y cosida a mano

Pia Camil recibió su Licenciatura en Bellas Artes por la Escuela de Diseño de Rhode Island en 2003 y Maestría en Bellas Artes por parte de la Escuela Slade de Bellas Artes en 2008. Sus exposiciones individuales incluyen "Espectacular Telón" en Sultana Gallery, París (2013), "Cuadrado Negro" en el museo-centro vasco de arte contemporáneo en España (2013), y "El Resplandor" en proyectos OMR, Ciudad de México (2009). Entres su muestras colectivas se encuentran "Proyecto de Urbanismo", Bienal de las Américas, Denver (2013), "No A Trio A", La Casa Encendida, Madrid (2013), "El Grito", MUSAC, León y Castilla (2011), " El Resplandor ", Museo Experimental El Eco, Ciudad de México (2010)," Sin Techo está Pelón ", Museo de la Universidad de Guanajuato (2010), "Hay problemas falsos", Proyectos Monclova, Monterrey (2009). Su trabajo ha sido mostrado en México, Colombia, Francia y los EE.UU. En 2009, formó El Resplandor, una banda basada en el performance. Ha recibido premios como el European Honors Program, Palazzo Cenci Roma, Italia, en 2001 y fue nominado para el Premio Paul Hamlyn, Londres en 2008. El trabajo de Camil se encuentra en la colección permanente de La Colección Jumex, la Colección Patricia Phelps de Cisneros y el Museo Wattis entre otros.

Márgenes , 1972
21 x 15 cm.
Collage y tinta dibujada a mano

Ulises Carrión nació en San Andrés Tuxtla, Veracruz, México en 1941. Estudió literatura y filosofía en la UNAM (Universidad Nacional de México) y pasó a convertirse en un escritor exitoso y respetado; sus libros de cuentos, La muerte de la señorita O y De Alemania, fueron publicados en 1966 y en 1970 respectivamente. Recibió becas para estudiar lengua y literatura en París (1964), Alemania (1965) y Leeds, Inglaterra (1972). En 1972, comenzó a trabajar de una manera más visual, empleando colores, texturas, formas y secuencias. El trabajo de Ulises Carrión se distingue por dos denominadores comunes: la comunicación y la distribución. Emplea diversas técnicas y medios de comunicación con el fin de crear un producto cultural completo. Las herramientas de su oficio eran los medios de los que se apropiaba: sellos, la televisión, la radio, correo, entre otros.

Autorretrato ciego como tsukumogami de chancla, comiendo proteína cinco veces al día, escuchando ‘Espíritu libre’ de Ray Barretto, y leyendo ‘Viaggi e altri viaggi’ de Antonio Tabucchi’ , 2014
250 x 396 cm.
Pintura acrílica gris sobre recortes de periódico, cartón, fotografías, dibujos, postales, sobres, tickets, vouchers, cartas, recetas, servilletas y alfileres de metal montadas a muro

Más que ser definido por un medio en particular, el trabajo de Cruzvillegas puede ser entendido a través de sus procesos, profundamente influenciados por el contexto. A menudo, estos procesos incluyen una forma muy personal de investigación en la que el artista explora su relación con los objetos, su hechura, así como el contexto social del que emergieron. La mayor parte de sus trabajos están vinculados a la autoconstrucción, concepto desarrollado por Cruzvillegas para referirse a un método improvisado de construcción. Este a su vez, refuerza la premisa ideológica que presenta al cambio como un estado permanente, que surge de la naturaleza caótica y fragmentaria de la vida: «Algo definitivamente inacabado, algo que se está construyendo así mismo por siempre: fragmentado, contradictorio, débil, inestable, oscuro, transparente, cálido, estúpido, delirante, caótico, tullido. Su vida y movimiento es el amor, el sexo y yo». Entre sus exposiciones más importantes están: MALI in situ: Abraham Cruzvillegas, Museo de Arte de Lima, Perú (2015); Autoconstrucción, Museo Jumex y Museo Amparo, Puebla, y Ciudad de México, México (2014); Abraham Cruzvillegas: The Autoconstrucción Suites, Haus der Kunst, Múnich, Alemania (2014) y Walker Art Center, Minneapolis, Estados Unidos (2013); Self Builder’s Groove, Deutscher Akademischer Austauschdienst (2011); Autoconstrucción, the Film, The New Museum, Nueva York, Estados Unidos (2011); The Magnificent Seven: Abraham Cruzvillegas, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, Estados Unidos (2009); Autoconstrucción: The Soundtrack, Center for Contemporary Arts, Glasgow, Inglaterra (2008). Además, su trabajo ha formado parte de exhibiciones colectivas en sedes de relevancia como: el Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, México (2014); Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, Estados Unidos (2013); el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2011); Tate Modern, Londres, Inglaterra (2011); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, México (2009); The New Museum, Nueva York, Estados Unidos (2007), entre muchas otras.

Libro hecho por Octavio Paz acerca de Duchamp , 1968
32 x 21 cm.
Contiene 2 libros y 3 postales de las obras de Duchamp

Estudió en la Academia Julian en 1904-5. Sus primeras pinturas de figuras tenían influencia de Matisse y el Fauvismo, sin embargo, en 1911 creó un Cubismo con marca personal la cual combinaba colores terrosos, formas mecánicas y viscerales y una representación del movimiento que se debe tanto al Futurismo como al Cubismo. Desnudo bajando una escalera no. 2 fue una sensación en el Armory Show de Nueva York en 1913. Duchamp realizó muy poca pintura después de 1912, creando el primero de sus ‘readymades’ en 1913. Éstos eran objetos ordinarios de uso cotidiano, a veces alterados de forma sutil y designados como piezas de arte por el arte. Entre sus primeros ‘readymades’ se encuentran Bicycle Wheel (1913), una rueda montada sobre un banco de madera, así como una pala titulada Advance of the Broken Arm (1913). Una de sus piezas más conocidas es un urinal, titulado La Fuente y firmado como ‘R. Mutt’ el cual envió a una exhibición de la Sociedad de Artistas Independientes en Nueva York en 1917. En la controversia, el concepto de ‘readymade’ fue asociado con un asalto a la comprensión convencional de la naturaleza y el estado del arte. Duchamp también usaba los ‘readymades’ como parte de su lenguaje simbólico privado, hablada de cómo usando objetos prefabricados lo liberaba de la “trampa” de desarrollar un estilo o gusto particular.

Imperio , 2007
20’05”
Super8 transferido a DVD

Claire Fontaine es un colectivo de artistas con sede en París, fundado en el año 2004. Después de levantar su nombre de una popular marca de cuadernos escolares, Claire Fontaine se declaró un "artista ready-made" y comenzó a elaborar una versión del arte neo-conceptual que a menudo se ve como el trabajo de otras personas. Trabajando con neón, vídeo, escultura, pintura y texto, su práctica puede ser descrita como un interrogatorio en curso de la impotencia política y la crisis de la singularidad que parece definir el arte contemporáneo actual. Pero si la propia artista es el equivalente subjetivo de un urinario o una caja de Brillo - desplazados, privados de su valor de uso, e intercambiable como los productos que ella hace - siempre existe la posibilidad de lo que ella llama la "huelga humana". Claire Fontaine usa su frescura y juventud para hacer de ella misma una singularidad cualquiera y un terrorista existencial en busca de la emancipación subjetiva. Ella crece entre las ruinas de la noción de autoría, experimentando con protocolos colectivos de producción, détournements, y la producción de diversos dispositivos para el intercambio de la propiedad privada e intelectual. Entre sus exposiciones recientes se encuentran, Arbeit Macht Kapital, Kubus, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, , They Hate Us For Our Freedom, Contemporary Art Museum St. Louis, Lucky In The Misfortune, Maison Descartes, Institut Français des Pays-Bas, Amsterdam, Feux de Détresse, Galerie Chantal Crousel, Paris et Claire Fontaine, The Exhibition Formerly Known as Passengers, 2.10, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco. Claire Fontaine es representada por las galerías Reena Spaulings Fine Art, New York, T293, Napoli, Galerie Neu, Berlín y Galerie Chantal Crousel / Air de Paris, Paris.

Possible location, s.f , 2015
173 x 173 x 115 cm.
Tierra, tezontle y plantas vivas

Mario García Torres tiene una maestría en Bellas Artes por parte del California Institute of Arts. Recientes exposiciones individuales de su obra han tenido lugar en Project Arts Centre, Dublin (2013); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2010); Fundación Joan Miró, Barcelona (2009); Kunsthalle Zürich (2008); y Stedelijk Museum, Amsterdam (2007). Así mismo ha participado en exhibiciones internacionales tales como la Bienal de Berlín (2014); Bienal de Mercosur, Porto Alegre, Brazil (2013); Documenta 13, Kassel, Alemania (2012); Bienal de São Paulo (2010); y la Bienal de Venecia (2007). García Torres se inspira de la historia del arte conceptual, a menudo desentrañando muchas de las narrativas del mismo y actualizándolas dentro de contextos nuevos. Su perspectiva, muchas veces nostálgica de la historia, da paso a ideas, significados y perspectivas nuevos sobre los temas en cuestión. A través de cine, instalación, proyección de diapositivas e intervenciones performativas, Mario García Torres reanima la tradición de manera crítica, sensual y a la vez lúdica.

Naturalmente , 2005
Variable dimensions
Yeso, pera artificial, estructura de hierro

El trabajo de Cynthia Gutiérrez denota una búsqueda constante por analizar la memoria en distintos niveles, generando tensiones o fisuras en los esquemas preestablecidos. Sus reflexiones y procesos parten de situaciones de conflicto; de terrenos inestables, indefinidos, cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en múltiples direcciones. A partir de fragmentos, reconfigura imágenes que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre realidad y ficción. Articula elementos históricos desde una nueva postura con cronologías distorsionadas que evidencian la imposibilidad de generar recuerdos precisos y revelan la fugacidad de la historia. Con formación en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara ha realizado diversas exposiciones individuales como Coreografía del colapso, Proyecto Paralelo (2014, D.F.), Notas de Carnaval, MAZ (2011, México) y participado en muestras colectivas como Celemania, Frac des Pays de la Loire (2014, Francia), la Bienal de Berlín 8, KW Institute for Contemporary Art (2014, Alemania); Algunas Lagunas, Proyecto Paralelo (2013, D.F.) y Crossing Boundaries, II Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú (2010, Rusia). Fue invitada a la residencia en el Frac des Pays de la Loire (2014, Francia) y becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2013-2014).

New York Groove , 2004
3'00"
Video transferido a DVD

El trabajo artístico y curatorial de Daniel Guzmán se compone por dibujos, esculturas, videos, instalaciones, textos idiosincrásicos y voraces; delineando su contenido a partir de la mezcla de intereses personales, principalmente música y literatura, además de la cultura popular mexicana, cómic y los ritmos y los residuos de la vida cotidiana en la Ciudad de México. Infundado con una sensación de espontaneidad, la obra de Guzmán tiene una personalidad original que se percibe sincero, con un sentido autobiográfico. Crea piezas en las que varias influencias culturales son absorbidas, digeridas y combinadas, examinando la cultura y su propia subjetividad. La manera en que la información se transforma cuando se percibe a partir de la experiencia subjetiva es un tema recurrente que Guzmán explora profundamente en sus videos y performances. Llorando por canciones tristes, bailando por las felices y reinterpretando performances a partir de las fotografías de revistas de arte son algunos ejemplos de cómo el artista consigue apropiarse de influencias externas, asimilándolas dentro de una sola experiencia. Sus dibujos simulan un movimiento dinámico: las imágenes estáticas parecen mutar constantemente, eliminando el texto para crear innumerables conexiones y connotaciones. Con sus dibujos, Guzmán nos recuerda que las actitudes, los pensamientos y los sentimientos que constituyen la idea de nosotros mismos se modifican constantemente y que hoy nada es exactamente igual a como era ayer. Entre sus exposiciones más importantes se encuentran Daniel Guzmán: Chromosome Damage, Drawing Room, en Londres, Reino Unido (2015); Daniel Guzmán: Materia Oscura, Museo de Arte de Zapopan MAZ, Zapopan, Jalisco, México y Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca MACO, en Oaxaca, México (2011); Double Album: Daniel Guzmán and Steven Shearer, New Museum, en Nueva York, Estados Unidos y Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA-UNAM, en la Ciudad de México (2008). Ha participado en la 55ª Bienal Internacional Carnegie, en Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos (2009); la 5ª Bienal de Berlín, en Berlín, Alemania (2008); la 35º Festival Internacional de Cine de Rotterdam, en Rotterdam, Países Bajos (2006); la 9ª Bienal Internacional de Estambul, en Estambul, Turquía (2005); ya la 4ª Bienal de Gwangju, en Gwangju, Corea (2002).

I march in the parade of liberty but as long as I love you I ́m not free , 2007
50.8 x 60 cm.
Instalación formada por un canal de audio y una serigrafía sobre papel

Nacida en Baltimore en 1970, Sharon Hayes estudió antropología en Bowdoin College en Brunswick, Maine, y arte del performance en el Trinity/LaMama Performing Arts Program en Nueva York a principios de 1990. Más tarde siguió sus estudios en el Programa de Whitney Independent Study, Nueva York, de 1999 a 2000, y recibió una maestría en estudios interdisciplinarios de la Universidad de California en Los Ángeles en 200. Hayes practica una mezcla única de performance y compromiso social, a menudo llevando sus actuaciones fuera de la galería y en la calle. Es conocida por recitar, o, para usar el término que prefiere, "volver a hablar" discursos políticos de los años 1960 y 1970. Exposiciones o performances individuales de Hayes han tenido lugar en instituciones como Art in General, Nueva York, y Room Gallery, Universidad de California, Irvine (ambos de 2005); New Museum of Contemporary Art, Nueva York (2007); Varsovia Museo de Arte Moderno (2008); Kunstmuseum St. Gallen, St. Gallen, Suiza; Göteborgs konsthall, Gotemburgo, Suecia; Objectif Exhibitions, Amberes; y Context Gallery, Derry, Irlanda del Norte (todo en 2009).

Coins , 1989
166 x 227 cm. when installed
Papel, marcador e impresiones (42 elementos, montados individualmente sobre la pared con acrílico)

Thomas Hirschhorn, nació en 1957 en Berna, Suiza. Originalmente formado como diseñador gráfico, Thomas Hirschhorn da forma a un discurso público que se relaciona con el descontento político, y ofrece modelos alternativos de pensar y de ser. Creyendo que cada persona tiene una comprensión innata del arte, Hirschhorn se opone a criterios estéticos excluyentes y elitistas – por ejemplo, la calidad- en favor de los principios dinámicos de la energía y la convivencia. Crea instalaciones extensas de materiales mundanos (cinta, cartón, papel de aluminio) que involucran a los sentidos. Usando el collage como una forma de interpretación y crítica, Hirschhorn presenta la historia intelectual y la teoría filosófica de la misma forma en la que presenta objetos e imágenes cotidianas, y plantea preguntas sobre el valor estético, la responsabilidad moral, la agencia política, el consumismo y espectáculo mediático. Ha producido una serie de monumentos a los grandes filósofos -Spinoza, Bataille, Deleuze, Gramsci- que, si bien son físicamente efímeros están destinados a vivir en la memoria colectiva de quienes los han experimentado. Entre sus exposiciones importantes se encuentran aquellas expuestas en la Dia Art Foundation (2013); ICP Trienal (2013); Bienal de Estambul (2013); Musée du Quai Branly (2012); Palais de Tokio Trienal (2012); Bienal de Venecia (2011, 1999); Power Plant (2011); Secession, Viena (2008); Museo Tamayo (2008); Carnegie Internacional (2008); Musée d'Art Contemporain de Montreal (2007); Bienal de São Paulo (2006); ICA de Boston (2005); CCA Wattis Institute for Contemporary Arts (2005); Palais de Tokio (2004); Documenta (2002); Centro Georges Pompidou (2001); Kunsthaus Zürich (2001); Renaissance Society (2000); Instituto de Arte de Chicago (2000); y la Bienal de Lyon (2000). Thomas Hirschhorn vive y trabaja en París, Francia.

Writer’s room , 2013
27.9 x 21.5 cm.
18 hojas mecanografiadas, 1 impresión digital

Jorge Méndez Blake (Guadalajara, México, 1974). Fusionando distintos elementos históricos y geográficos, su obra explora las posibles conexiones entre la literatura y el arte, invitando a nuevas reflexiones sobre el papel de lenguaje en nuestra cultura. Recientemente ha enfocado gran parte de su trabajo en la investigación de la idea de “biblioteca”, entendida como un sistema cultural frágil y contradictorio. Su obra ha sido expuesta individual y colectivamente en diversos museos e instituciones privadas, como el Museé d’Art Moderne de la Ville de Paris, la Maison Rouge y el Museo Mac/Val en París, Francia; en el Museum of Contemporary Art Denver, Museum of Latinamerican Art en Los Angeles, el Bass Museum en Miami, el Aspen Museum of Art y Artspace, New Haven y Museum of Contemporary Art Santa Barbara en EEUU; la Fundación PROA en Buenos Aires, Argentina; la Fundación Marcelino Botin en Santander, la Casa Encendida en Madrid, España; el Stedelijk Museum Schiedam y Frankendael Foundation en Amsterdam, Holanda; el BOZAR, en Bruselas, Bélgica. En México, en el Museo Rufino Tamayo, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo de Arte Moderno, el Museo Carrillo Gil, el Museo Nacional de Arte, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en la Fundación JUMEX entre otros. Recientemente ha participado en la 13va. Bienal de Estambul, en SABER DESCONOCER, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas, Medellín, Colombia y obtuvo la beca del programa Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, EEUU. Actualmente es miembro en México del Sistema Nacional de Creadores.

No debo ser frágil , 2013
107 x 131 cm.
Pizarra negra y tiza

Egresa de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica en 1991. El mismo año se radica en Bruselas, Bélgica, donde vive y trabaja durante cuatro años, regresando a Costa Rica en 1995. Allí realiza su primera exhibición individual en Jacob Karpio Galería. Desde entonces, ha realizado más de 15 exposiciones individuales en Costa Rica, Brasil, Grecia, Bélgica, Guatemala, Honduras, Nicaragua, Perú, España y Estados Unidos. Monge transforma nuestras expectativas, subvierte las jerarquías de poder y el significado que le damos a los objetos que nos acompañan a diario para reflexionar sobre temas como la violencia, la moral, la búsqueda de la identidad, la mujer y la confrontación de las esferas públicas y privadas en nuestras vidas individuales y en sociedad. Aunque toma una mirada próxima a la cruda realidad escondida bajo la superficie del día a día, no deja de hacerlo con una agudeza y humor extraordinarios unas veces de manera explícita y otras veces de forma sutil. Sus obras, con gran carga conceptual, se mueven entre el dibujo, la fotografía, el vídeo, la escultura y la instalación.

400 km north of the Equator , 2013
53 x 26 x 26 cm.
Cerámica natural, alumnio pintado a mano y tierra

Murillo recibió la Licenciatura en Bellas Artes por parte de la Universidad de Westminster, Londres, seguido de su Máster en Bellas Artes en 2012 por parte del Royal College of Art, Londres. En 2014 presentó en la galería David Zwirner su primera exhibición individual titulada A Mercantile Novel. Sus pinturas, piezas en video y performances están ligadas a una noción de comunidad derivada de vínculos interculturales del artista a Londres, donde actualmente vive y trabaja, y Colombia, donde nació en 1986. Murillo ha expuesto de forma individual y colectiva en instituciones prominentes de todo el mundo. Más recientemente, Oscar Murillo: An average work rate with a failed goal mostró nuevas pinturas, esculturas y obras de vídeo en 40m cube en Rennes, Francia, organizada en el marco de la cuarta bienal Les Ateliers de Rennes - Biennale d'art contemporain. También en 2014 un cuerpo de obra nueva se presentó The Mistake Room en Los Ángeles con motivo de la exposición inaugural de la sede. En 2013, la galería South London organizó la primera exposición individual importante del artista en el Reino Unido. En 2012, creó nuevas pinturas durante una residencia de verano de cinco semanas en la colección de la familia Rubell en Miami, las cuales se muestran más adelante ese mismo año marcando su primera exposición individual en los Estados Unidos. Otros lugares recientes donde ha exhibido sus obras y proyectos incluyen MAMA Showroom, Rotterdam (2013) y la Serpentine Gallery, Londres (2012).

Vino Rosso , 1987
62 x 86.36 cm.
Papel y cinta adhesiva en marco de madera

Bruce Nauman fue uno de los artistas más prominentes, influyentes y versátiles que emergió en 1960. Aunque su trabajo no se define fácilmente por sus materiales, estilos, o temas, la escultura es central en el mismo, y ​​se característico por ser post-minimalismo en la forma en que combina las ideas del conceptualismo, el minimalismo, el arte del performance y videoarte. Estudió en la Universidad de Wisconsin en Madison 1960-4 (primero matemáticas, después arte), y en la Universidad de California en Davis 1965-6. Dejó de pintar en 1965 y comenzó a hacer objetos, performances y películas. En estas obras conceptuales, Nauman utiliza su cuerpo como un objeto artístico, ejecutando repetitivamente acciones performativas en su estudio. Explotando la fenomenología del medio, incluyendo su inmediatez, el espacio y la intimidad, sus gestos en tiempo real investigan el propio proceso de hacer arte. En 1966, la Galería Nicholas Wilder, Los Ángeles, celebró la primera exposición individual de Nauman. En 1968, la Galería Leo Castelli, Nueva York, y la Galerie Konrad Fischer, Düsseldorf, iniciaron una larga serie de exposiciones individuales. También en 1968, fue invitado por primera vez a participar en la Documenta 4 en Kassel, y recibió una beca de la Fundación Nacional para las Artes que le permitieron trabajar en Nueva York por un año.

4" to 7" and perfect , 1997
26 x 28 cm.
Pluma y tinta sobre papel

Pettibon tiene un título en economía por la Universidad de California en Los Ángeles en 1977. Su obra ha sido representada por David Zwirner desde 1995. El trabajo de Pettibon ha sido expuesto ampliamente en todo Estados Unidos y en el extranjero. La obra de Raymond Pettibon abarca un amplio espectro sobre la discusión estadounidense de la cultura "alta" y "baja". Desde de las desviaciones de la juventud marginal a la historia del arte, la literatura, el deporte, la religión, la política y la sexualidad. Tomando fuertes referencias visuales en la cultura punk-rock del sur de California a finales de los años 1970 y 1980 y el movimiento "do-it-yourself (DIY)” [Házlo tú mismo], y la estética de portadas de discos, cómics, folletos de conciertos, y fanzines que caracterizaron dichas corrientes, sus dibujos han llegado a establecer un propio género de comentario artístico, potente y dinámico.

Figuras viendo animalitos , 2005
160 x 160 cm.
Temple sobre tela

Artista autodidacta. Comenzó dibujando historietas contribuyendo a revistas y periódicos. A la edad de 14 años, Rébora ya había exhibido en galerías y centros culturales a nivel nacional e internacional. En 1983, viajó a Italia estableciéndose en Florencia por la beca que recibió de parte de Enricco Valecchi, para trabajar durante un año grabado en su taller, Il Bisonte. Rébora se quedó 8 años en Europa, donde recibió becas de diferentes instituciones a lo largo de su estancia. Actualmente, Rébora es considerado uno de los más destacados dibujantes de su generación. Sus dibujos de la serie Niña Precoz han sido mundialmente reconocidos. En 1994 fundó Taller Ditoria donde publica libros de poesía tipográfica. A la fecha ha publicado más de treinta títulos con autores como Ida Vitale, Gerardo Deniz, Juan Gelman, José Kozer, José Luis Rivas, entre otros. En 2011 ganó la XV Bienal de Pintura Rufino Tamayo (México).

Preview suite , 1988
56 x 34.5 cm.
Litografía sobre papel (Políptico de 10 piezas)

Pionero del arte conceptual estadounidense, Allen Rupperserg trabaja con una variedad de medios incluyendo pintura, impresiones, fotografía, escultura, instalación y libros. Ruppersberg se graduó en 1967 de la Licenciatura en Artes Visuales por parte del Instituto de Artes Chouinard en Los Angeles (ahora conocido como California Institute of Arts). Durante sus primeros años en Los Angeles, comenzó relaciones significativas con John Baldessari, Ed Ruscha, William Wegman y Allan McCollum. Formó parte de la innovadora exhibición When attitudes Becomes Form, la cual desafió las estrategias curatoriales y presentó instalaciones de arte conceptual. Ruppersberg ha sido reconocido como uno de los artistas más importantes en el medio de la instalación, habiendo producido piezas significativas como Al's Cafe (1969), Al’s Grand Hotel (1971) y The Novel that Writes Itself (1978). Ruppersberg ha expuesto su obra en más de sesenta exposiciones individuales y casi 200 exposiciones colectivas desde finales de 1960. Sus obras se pueden encontrar en las colecciones permanentes de numerosas instituciones y museos de todo el mundo.

Money changes everything , 2009
Variable dimensions
Caja de fibra de vidrio pintada a mano, jarrón pintado a mano con oro de 14K

Recibió su grado en artes en el Otis College of Art and Design en Los Ángeles. Su trabajo ha sido expuesto en diversas exhibiciones individuales en sitios tales como el Museo de Arte Contemporáneo en Denver, Colorado; Tokyo Wonder Site en Tokio, Japón; LA Louver Gallery en Los Ángeles, California; 404 Arte Contemporánea en Nápoles, Italia, y el Museo de Arte de Santa Mónica, en Santa Mónica, California, entre muchas sedes más. Un tema constante en la obra de Eduardo Sarabia ha sido su interés por la relación entre sus raíces culturales y su identidad americana. Con la inspiración de la zona única y compleja que divide a México de Estados Unidos, Sarabia escenifica escenas intrincadas infundidas con un romanticismo ligero, humor y un sentido de lo absurdo. Desde su punto de vista liminal, Sarabia expone clichés sobre la cultura mexicana con el fin de cuestionar las fronteras imaginarias demarcadas por los estereotipos culturales. El trabajo de Sarabia también ha sido incluido en varias exhibiciones de grupo, tales como New Blue and White en el Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts (2013); Turn Off the Sun: Selections from La Colección Fundación Jumex en el Museo de la Universidad de Arizona en Tempe, Arizona (2013); Fuerzas básicas, formas del dibujo reciente en Jalisco en el Museo de la Ciudad de México, Distrito Federal (2011); An Expanded Field of Possibilities en el Foro de Arte Contemporánea de Santa Bárbara (2009); y Phantom Sightings: Art After The Chicano Movement en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, entre muchas otras. En 2008 el trabajo de Sarabia fue incluido en el Whitney Biennial en el Whitney Museum of American Art de Nueva York. El reconocido trabajo de Sarabia, Salón Alemán, ha sido presentado en varios museos y exhibiciones alrededor del mundo. Asimismo, ha producido diversos proyectos públicos e intervenciones en recintos como el New York Museum, en Nueva York, NY; Art Public, Art Basel Miami Beach en Miami, Florida, y en Unitednationsplaza en Berlín, Alemania. El trabajo de Sarabia ha sido incluido en diversas colecciones públicas y privadas alrededor del mundo. Actualmente, vive y trabaja en Guadalajara, México.

XXXXXX XXXXX Corner , 2006
91.5 x 91. 5 x 91.5 cm.
251 botellas, espejo doble

SUPERFLEX es un colectivo de artistas fundado en 1993 por Jakob Fenger (1968), Rasmus Nielsen (1969) and Bjørnstjerne Christiansen (1969). SUPERFLEX define sus proyectos como herramientas; una herramienta es un modelo o propuesta que puede ser activamente utilizada o modificada por el usuario. Exhibiciones individuales recientes incluyen Bankrupt Banks en Peter Blum Gallery, New York, SUPERFLEX, Musée d’Art Moderne, St-Etienne, Francia, Flooded McDonald’s, Museum Kunst der Westküste, Alemania, y Flooded McDonald’s, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.

Sin título, s.f. , 2015
182 x 205 cm.
Técnica mixta sobre manta

Las imágenes de Vivian Suter y las obras fotográficas y bosquejos que crea junto con ellas son representaciones, comentarios e interpretaciones de sus alrededores, tanto externos como internos. Asimismo son apropiaciones, hacen suyo este entorno y de igual manera, son apropiados por sus alrededores.
 
 Viajando por Norte y Centroamérica en 1982, Vivian Suter llegó a Panajachel – un pueblo a orillas del lago Atitlán – y permaneció allí, formando su hogar sobre un terreno en una antigua plantación de café. Desde el inicio de los años 80, la mayoría de su trabajo artístico ha sido creado desde este escenario, y muchas de sus obras se han vuelto parte de él.
 
El arte que ahí nace trata del viento, los volcanes y la vastedad y claridad de este paisaje tropical.

Auto- , 2011
157 x 125 cm.
Piezografía

El trabajo de Francisco Ugarte se apoya en los terrenos de la arquitectura, sobre todo durante el proceso creativo: la propuesta se genera a partir de una atención profunda en el entorno, y es una respuesta a éste. Con la utilización de distintos medios como video, instalación, escultura, dibujo e intervenciones específicas, su trabajo puede entenderse como un ejercicio fenomenológico en el que la realidad es aprehendida a través de la contemplación, la percepción y la esencia de las cosas. Vive y trabaja en Guadalajara.

Serie “Today We Reboot the Planet” , 2014
30.5 x 45.5 cm. Each
Grafito sobre papel (Set de 5)

La obra de Adrián Villar Rojas existe en una dimensión temporal y casi imaginaria en la que el hombre se enfrenta a su propia obsolescencia y su inminente extinción, que juega con las percepciones del tiempo y su simbolización en la cultura humana. Villar Rojas emplea varios recursos expresivos del dibujo, la escultura, la artesanía, la música, la ciencia ficción y la instalación para crear realidades alternas que aluden a un apocalíptico o mitológico fin del mundo. Sus instalaciones colosales, hechas usualmente con arcilla, sumergen al espectador y provocan una sensación de incomodidad porque materializan la inmensidad tanto temporal como física. Sus creaciones parecen atemporales y antiguas a la vez, reliquias de un pasado o un futuro ambiguo que cuestionan nuestras nociones acerca del tiempo, la historia y la modernidad. Villar Rojas mezcla la realidad con la ilusión para crear situaciones de una abrumadora extrañeza que pone a prueba los límites de la imaginación. El uso de arcilla y de elementos naturales ofrecen una oportunidad para vincularse de nuevo con un material primitivo de la humanidad en una escala menor. El proceso creativo se ve emulado en la obra misma, resultando en objetos que acogen lo realizado y lo no realizado, lo imaginado y lo creado, lo posible y lo imposible. Entre sus exposiciones más importantes se encuentran Adrián Villar Rojas – Fantasma, Moderna Museet, en Estocolmo, Suecia (2015); The Evolution of God, en High Line del Rail Yards, en Nueva York, Estados Unidos (2014); Adrián Villar Rojas – Films Before Revolution, Museum Haus Konstruktiv, en Zúrich, Suiza (2013); Today We Reboot the Planet, Serpentine Sackler Gallery, en Londres, Reino Unido (2013); Adrián Villar Rojas: La inocencia de los animales, Expo 1, MoMA PS1, en Nueva York, Estados Unidos (2013); Return the World, dOCUMENTA (13), en Kassel, Alemania (2012); Before My Birth, Arts Brookfield, con la Trienal de The New Museum The Ungovernables y World Financial Center Plaza, en Nueva York, Estados Unidos (2012); El asesino de tu herencia (The Murderer of Your Heritage), para el Pabellón Argentino de la 54ª Bienal de Venecia, en Venecia, Italia (2011); Poems for Earthlings, SAM ART Projects, Jardin des Tuileries, Musée du Louvre, en París, Francia (2011). Además su obra ha sido parte de exposiciones colectivas dentro de instituciones como The New Museum, en Nueva York, Estados Unidos (2012); Serpentine Gallery, en Londres, Reino Unido (2010); Akademie der Künste, en Berlín, Alemania (2010); CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, en San Francisco, Estados Unidos (2009); Museu de Arte Moderna de São Paulo, en São Paulo, Brasil (2009); entre otros.

Suspension lamp , 1991
160 x 20 cm.
Lámpara de metal

El arte de West es siempre participativo, buscando entablar un diálogo con sus destinatarios y teniendo en cuenta sus diversas reacciones como parte necesaria para completar el significado de la obra. Las piezas adaptables y mobiliarias de West invitan a activarlas físicamente, mientras que en el caso de otras esculturas y obras sobre papel, el diálogo está destinado a tener lugar en un nivel intelectual, estimulado por los títulos de las obras, así como por los textos que las acompañan. Lúdica y ambigua, la obra de West también está profundamente arraigada en su relación con la filosofía y el psicoanálisis, en particular con la obra de Ludwig Wittgenstein (1889 - 1951) y Sigmund Freud (1856-1939). En la década de 1990, la obra del artista se presentó en el Pabellón de Austria de la 44a Bienal de Venecia (1990); documenta IX, Kassel (1992); El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; Dia Center for the Arts, Nueva York (ambos de 1994); Carnegie Museum of Art, Pittsburgh (Carnegie International, 1995); Villa Arson, Niza (1995-1996); y el Städtisches Museum Abteiberg, Mönchengladbach (1996). Una gran retrospectiva a mitad de su carrera (Franz West, Proforma) fue organizada por el Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena en 1996 (que viajó a la Kunsthalle de Basilea; Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo; Nárondi galerie Praze / Sbírka moderniho umění Veltrzni Palác , Praga; Muzeum Sztuki w Lodzi, Lodz); y exposiciones individuales que se han celebrado en la Kunstverein de Hamburgo (1996); FRAC Champagne-Ardenne, Reims; El Museo de Arte Moderno de Nueva York; Fundação de Serralves, Oporto (todo el 1997). West participó en documenta X, Kassel; y en 1999 Rooseum, Centro de Arte Contemporáneo, Malmö, presentó una exposición individual de su obra. El trabajo del artista apareció en The Renaissance Society, Chicago (2000), y el Museum für Neue Kunst, ZKM Karlsruhe y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid presentó la muestra Franz West: In & Out (2000 a 2001). Franz West murió en 2012 en Viena, Austria.